Artistes permanents

Pauline BASTE-MORAND
Yue BUE (Chine)
Christine CLOOS
Claire COUTELLE
Isabelle DANSIN
Daoud (Liban)
Jacques DUSSERE
Bernard JUBERTHIE
Nicolaï KOUZMINE (Russie)
Françoise MAYERAS
Yukako OTA (Japon)
Philippe PIERRELEE
Maxime PLANCQUE
Annie PUYBAREAU
Kazuko SHIIHASHI (Japon)
Pascale VEYRON

Nos sélections

PETITS FORMATS
GRANDS FORMATS
SCULPTURES ET CERAMIQUES

L’œuvre de Daoud est authentique. De son histoire, partagée entre la France et le Liban et marquée par la foi, naît une peinture sincère, très personnelle. Des ports et des gares pour dire le voyage, l’éloignement, l’absence. Des portraits pour retenir ceux qui sont chers. Des instantanés pour inscrire l’éphémère dans l’éternité. Sa peinture est à la fois franche, construite et réfléchie. La lumière est captivante, le rendu saisissant. On trouve dans cette œuvre une force qui nous bouleverse, car elle renvoie à des interrogations auxquelles chacun de nous est un jour confronté : nos racines, nos souvenirs, la nostalgie d’une terre d’enfance, ou le désir de reconstruire des liens. Comme beaucoup d’artistes Libanais, il témoigne aujourd’hui, à travers son travail, de la douleur et de la richesse de son histoire et de ses origines.

- Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris

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Bernard Juberthie est un peintre du paysage et de l’espace. Il retranscrit une nature réaliste totalement éthérée et imaginaire.

Ses toiles nous offrent à voir des grands espaces étranges et esseulés. Seuls une cabane abandonnée ou un bout de barrière nous rappellent à une vague présence humaine comme quasi disparue de la surface de la terre. Il ne cherche pas à retranscrire des lieux vus et connus ou qui appellent à une mémoire collective, mais au contraire à interpeller chacun sur le mystère d’un lieu et sur notre faculté à sortir du réel et à se perdre dans l’œuvre.

L’artiste travaille principalement à l’acrylique sur de petits formats, où il aime à exploiter les possibilités du papier (papiers loktas d’Inde du Nord, aux rendus denses et texturés). Après être passé par l’abstraction, les portraits et des expérimentations contemporaines figuratives, ses travaux se concentrent depuis 2004 sur le paysage.

PRINCIPALES EXPOSITIONS
1997 . Galerie Art présent (Paris)
1999 . Salon d’art Contemporain (La Baule)
2001 . Art 2000
2002 . 6ème Salon d’art contemporain du Museum d’histoire Naturelle (Paris)
2002 . Salon de la Coye la Forêt : Grand prix du jury
2003 . Salon Regards sur l’art

2003 . Salon d’Automne (Paris)
2004 à 2008 : GMAC Bastille (Paris)

2008 . Galerie Maison des Muses (Rueil-Malmaison)

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« Je raconte ce qui fait l’Homme, les émotions qui le transportent, sa pesanteur aussi » explique Pauline Baste-Morand. De fait, ses personnages, coulés dans le bronze mais saisis sur le vif et dans leur élan, sont incroyablement proches de nous : ils donnent à voir tout à la fois l’énergie et la douceur, l’enthousiasme et la fragilité, les petits bonheurs de la vie et parfois l’oppression. Images d’un instant éphémère, sans passé, ces sculptures nous interrogent alors et mettent en mouvement nos souvenirs et notre imaginaire. Bien plus qu’une simple recherche sur la beauté plastique des corps, l’œuvre de Pauline Baste-Morand est une quête intérieure et engagée, l’expression complexe d’une humanité en marche.

- Ecole Nationale des Arts Appliqués Dupérré. Paris, 1981

La peinture de Pascale Veyron a un lien très fort avec la nature, la pierre et le temps. Sa palette de peinture se rapproche des matières terrestres primitives : les ocres des carrières, les sables volcaniques, les pigments. Elle travaille la matité des surfaces et leurs transparences, les matières devenant alors plus denses et les formes très présentes.

Fascinée par le travail du temps sur la matière, elle instaure un dialogue entre l’épaisseur et les transparences des éléments. La recherche d’un point d’équilibre entre deux présences prend corps.

Quelque chose d’immuable et d’originel réside dans ses œuvres. Sa peinture nous invite à découvrir des territoires imaginaires et poétiques marqués par l’érosion. Elle nous transporte dans un monde minéral et lunaire.

« Mon travail est un fil tendu, tenu entre abstraction et figuration ».

- Ecole Nationale Supérieure d’Art Décoratif de Limoges (céramique) 1980

PRINCIPALES EXPOSITIONS

2009 . Galerie Maison des Muses, Rueil-Malmaison

2006 . Galerie Pierre Michel D, Paris

2005 . Galerie Eric Dumont, Troyes

2002 . Galerie LENK, Darmstadt (Allemagne)

2001 . Galerie Brigitte Griffault, Montauban (82)

2000 . Galerie Céline Laruelle-gallix, Lourmarin (84)

Salon Itinéraire, Levallois-Perret

Salon Comparaison, quai Branly, Paris

Salon de Mai, quai Branly, Paris

Salon d’art contemporain, Viry-Châtillon (1er prix du jury, technique mixte)

Salon de la Fondation Florence, Paris

Salon Itinéraire, Levallois-Perret

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Christine Cloos travaille le métal de façon graphique et épurée. Elle donne vie à un tout un univers végétal : branches, feuilles et liserons naissent ainsi d’un métal tourmenté, brûlé, poli, doré. L’impact de la nature sur l’artiste est très marqué. Son inspiration trouve sa source dans une vision synthétique de l’eau, du feu et des végétaux. Des séjours en Asie, la proximité de la très belle collection d’estampes japonaises de la Fondation Claude Monet, visitée et revisitée, la nature environnante de la Beauce, influencent son travail de sculpture et de collage.

Ses grands formats offrent un métal découpé, ajouré et encadré dans un grand carré de fer : une approche picturale du métal déconcertante mais donnant à son travail une singularité évidente.

Parallèlement à cela Christine Cloos travaille le collage, les techniques mixtes : œuvres de papiers et de peinture. Ses paysages de Beauce nous donnent à voir un monde éthéré, romantique et plein de ressenti, où là encore la nature est omniprésente.

Ses œuvres font preuve de beaucoup de sensibilité.

PRINCIPALES EXPOSITIONS

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Annie Puybareau est très sensible à la présence de l’être humain, elle manie avec dextérité un figuratif classique très vivant. Paris vibre alors par ces jeunes filles en fleur au bord des quais ou par ses parisiens pressés. Ses thèmes de prédilection sont la nature et les paysages : champs et campagnes , bords de Seine, bords de mer de la côte normande. Mais l’artiste se nourrit aussi de l’ailleurs, de l’exotisme d’un souk marocain ou d’un rue chinoise.

Annie Puybareau aime à travailler « in situ » sur le motif, comme ses illustres prédécesseurs Impressionnistes. L’artiste retranscrit avec habileté les jeux de lumière - élément fondamental de la vibration de ses toiles.

- Ecole des Beaux-Arts de Rouen

- Suit l’enseignement de Robert Savary (Grand Prix de Rome), et d’Albert Malet, une des dernières grandes figures impressionnistes de l’École de Rouen.

PRINCIPALES EXPOSITIONS

Depuis 1990, Annie Puybareau expose dans de nombreuses galeries françaises et étrangères (USA, Japon, Chine, Allemagne, Pays-Bas…) et fait l’objet de nombreuses publications dans la presse spécialisée (Artistes Magazine, Le journal des arts, Pratique des arts, Art actualités Magazine, Valeurs de l’art, …).

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Kazuko Shiihashi travaille principalement sur l’élément végétal et précisément sur la fleur. Sa touche, gracieuse et féminine, est empreinte de beaucoup de minutie et de patience toute asiatique. Sa peinture est le fruit d’un long travail, utilisant principalement des pigments et des colles naturelles sur du papier japonais artisanal, ce dernier étant ensuite marouflé sur du bois.
L’aspect formel des ses œuvres, sur panneaux verticaux, réfère aux portes coulissantes ou aux paravents du Japon ancien. La minutie et le réalisme botanique des images florales contrastant avec le rendu texturé et abstrait des fonds ainsi que la grande sophistication propre au caractère japonais confèrent aux œuvres de Kazuko Shiihashi un statut totalement iconoclaste.

Kazuko Shiihashi est vit et travaille à Tokyo. Elle étudie à Kyoto les dessins et la graphisme des Kimonos et du tissu.
- Nippon Design School, (peinture traditionnelle japonaise), Tokyo
- Musashino Art school, Tokyo

PRINCIPALES EXPOSITIONS
« Aya-no-kai», Tokyo, Japon
Ginza (Tokyo), Japon
Galerie Akane, Ginza (Tokyo), Japon
Cast Iron Gallery, New York (Soho), USA
Botanical Garden Gallery, New York (Brooklyn), USA
Light Box Gallery, New York (Soho), USA
Espace Culturel Bertin Poirée, Paris, France
Flusso Gallery, New York (Soho)
Nycoo Gallery, New York (W46th)
JM Gallery, New York (W57th)
Sushiden Gallery, New York (E49th)
Galerie Maison des Muses, Rueil-Malmaison
Carrousel du Louvre, Paris (Exposée avec Maison des Muses)

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L’univers de Maxime Plancque est composé de tribus de personnages longilignes, dynamiques mais puissamment ancrés sur terre. Ces êtres qui peuplent le monde de l’artiste ne sont pour lui que synonyme d’amour, dans l’appréhension la plus vaste qui soit du terme.

L’artiste y met ainsi simplement ce qu’il a de plus intime à nous livrer, reflets fluctuants des ses états d’âmes et émotions pures saisies brutes dans la matière.

Mis à nus, les personnages qui prennent naissance entre son marteau et sa forge offrent au regard du spectateur une composition pure, à la fois enracinée et aérienne. Mobiles sur leur socle, les silhouettes tournantes sont sources d’infinies expressions. Elles semblent être à la découverte de l’espace, de l’autre et d’un état d’âme. Ainsi, l’artiste laisse dans cette mobilité une place au spectateur dans les histoires que ses sculptures racontent.

La force du travail de Maxime Plancque trouve sa source dans les jeux d’oppositions : force de l’expression et simplicité de moyens ; douceur des lignes et rigueur de la matière brute ; statisme et mobilité… En couple ou en groupe, ces personnages constituent la plus simple expression de notre quotidien émotionnel.

La première vraie rencontre d’Andoche Praudel avec la céramique est asiatique. C’est au Mexique en 1989 par un ami potier de Hyôgo, qu’il découvre la céramique japonaise. Dans ses mains un bol émaillé de coulures de cendres naturelles : le choc est immédiat. La poterie japonaise devient alors pour lui un véritable sujet de fascination et de travail.

À cette époque, après des études d’Esthétique et de Philosophie, Andoche Praudel peint des toiles abstraites, riches en matières, sur les concepts du groupe Supports/Surfaces* .
Sentant venir intimement une impasse dans le développement de son travail pictural il décide alors de se tourner vers le travail de la céramique japonaise, les possibilités et la méditation sur la matière étant bien plus riches pour l’artiste. Fort d’une formation céramique à l’école des Beaux-Arts de San Miguel de Allende au Mexique et d’une bourse franco-japonaise où il étudie in situ la céramique au Japon, il travaille passionnément.

Andoche Praudel réalise de pièces brutes, intenses et primitives ou l’originel et tout le sens ancestral de la terre prend corps. Son oeuvre est une réflexion poussée sur la terre, travail intellectuel où est donné toutes ses lettres de noblesse à la céramique, la dégageant de toute contingences pratiques ou utilitaires qu’elle peut encore, malheureusement,véhiculer.

« La céramique ne devient plus astreinte aux performances de la production, ce n’est donc plus un travail mais un art à part entière. Le créateur aujourd’hui est aussi libre avec le four qu’avec le pinceau »

* Le groupe Supports/Surfaces : Né en 1970, ce mouvement français réunit à partir de 1966 plusieurs peintres (Devade, Cane, Dezeuze …). Lié à ses débuts à la contestation maoïste, le groupe utilise des toiles libérées du châssis, montre l’affrontement du peint et du non peint, privilégie la déconstruction du tableau et revendique des œuvres où « l’envers vaut l’endroit ».

Andoche PRAUDEL
céramique

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La peinture de Claire Coutelle est un sentiment, une sensation, un univers sensible. Elle est composée d’espaces et de paysages qui parlent à l’âme et à l’intime. C’est une poésie immuable que du regard on scrute sans fin. L’artiste compose des perspectives singulières avec pour horizon un ailleurs proche et lointain qui nous happe invariablement. La profondeur de ses œuvres réside en un travail minutieux et délicat sur la matière et la couleur.

Claire Coutelle peint sur ardoises, sur bois ou sur toile. Les techniques mixtes dont elle use (enduit, pigments, naturels, peinture…) jouent avec le relief de ses supports. Pendant de nombreuses années, Claire Coutelle a travaillé pour le théâtre, l’opéra et le cinéma, comme créateur de masques et d’accessoires. Depuis 1992, elle se consacre exclusivement à la peinture.

PRINCIPALES EXPOSITIONS
 2009 . "Espaces imaginaires", Galerie Maison des Muses, Rueil-Malmaison France
 2006 . "Reflective Scenery", Jacana Gallery, Vancouver BC Canada
 2006 . "Light sky in Deep-cove", Seymour Art Gallery. Vancouver British Colombia Canada
 2004 . "Skyline Reveries", On Canvas Gallery, Victoria BC Canada
 2003 . “Ex-Voto pour la Terre” (“Ex Voto for Earth”) Paris 20^e
 2001 . “Fictions”, Paris 20^e
 2000 . Galerie 47, Beaune, France

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Né en 1938 dans une famille paysanne sur les bords de la Volga, Nikolaï Kouzmine représente l’Ecole moscovite.

Depuis l’enfance, il trouve son inspiration dans la culture populaire : chansons mélodiques, poésie, arts traditionnels. A la fin de ses études, il participe à de nombreuses réalisations, notamment la conception artistique et la décoration des pavillons de l’URSS pour les expositions internationales dans différents domaines (ex : Osaka, Japon, en 1968) et la réalisation de reliefs pour le métro de Moscou. A partir 1993 il commence à voyager et à exposer en Europe. Ses voyages au Danemark, en Angleterre, en Allemagne, en Croatie, en France donnent naissance à des cycles de dessins, aquarelles, tableaux…

- Académie des beaux-arts Stroganov de Moscou

Nikolaï KOUZMINE (Russie)
peinture

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Depuis de très nombreuses années, un long travail sur le thème de Suzanne et les vieillards a amené Philippe Pierrelée à dessiner quotidiennement à la plume, à l’encre de chine. Les trois personnages bibliques, reproduits inlassablement presque à l’identique, sur un format 15 x 21 cm, lui ont donné l’occasion de travailler le trait, de le peaufiner jusqu’à l’épure.

Parallèlement à la série des « Suzanne », profitant de ce travail sur le trait, de nombreux dessins ont été produits, portraits ou personnage de la série « Ce qui nous échappe », mais aussi des compositions de formes plus ou moins figuratives, traits épurés et fermés sur eux-mêmes, délimitant des formes simples.

Il travaille actuellement à partir de ces dessins, agrandis et reportés sur des planches, puis découpés, créant de grands puzzles, dont chaque pièce, peinte, polie, usée, prend la patine qu’ont les jouets anciens.

- Ecole Nationale des Arts Appliqués Dupérré. Paris

- Philippe Pierrelée a été directeur artistique puis directeur éditorial des éditions du Chêne pendant 20 ans.

Philippe PIERRELEE
peinture, assemblages, dessin

Peintures techniques mixtes sur bois : de 1000 à 2000€ en moyenne. Dessins à partir de 330€.

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Yukako Ota peint son ressenti et ses émotions de façon brut. Son travail s’axe principalement sur les effets, les rendus et les mouvements de l’encre sur le papier. Elle peint avec des encres de chine polychromes sur des papiers japonais au grammage très épais qui prodigue à l’œuvre un effet texturé riche de beaucoup d’effets stylistiques.

Son récent travail s’inspire du thème de l’eau, matrice originelle de la présence de l’homme sur la terre. Aussi mouvant et insaisissable que peut être l’onde, Yukako épanche son geste de façon libre et direct, comme l’eau qui coule, dort ou rugit.

Cet univers génère en elle une infinité de possibles graphiques, qu’elle mêle à des harmonies de couleurs telles que les bleus, les beiges ou de façon plus asiatisante et calligraphique sur les noirs

Yukako OTA est une artiste japonaise née en 1968 à Tokyo au Japon, où elle vit et travaille actuellement. Après des études de dessin au Yokohama Art College d’où elle sort diplômée en 1989, Yukako entame une carrière de graphiste à Tokyo. La majorité de ses œuvres, très graphiques, sont réalisées sur des paravents de différentes tailles.

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Il faudrait sans doute marcher dans les pas de Jacques Dussère pour reconnaître les paysages qui inspirent son travail. C’est bien la nostalgie de ses promenades qui nourrissent sa peinture depuis toujours : l’esquisse d’une ville dans la brume, la silhouette d’un bâtiment abandonné, les contours d’un champs, la courbure d’une route, autant de témoignages de l’empreinte de l’homme sur la nature. Et sa palette pastelle, délicatement nuancée, de restituer parfaitement les ambiances.

Mais Jacques Dussère n’impose rien, il propose : pas de titre, pas de repère spatial ou temporel, une image à reconstruire, tendue parfois jusqu’à l’abstraction. Il laisse ainsi le spectateur seul, mais libre, et rêveur devant sa peinture, tout à la fois silencieuse, lumineuse et heureuse.

- Ecole Nationale Supérieur des Arts Décoratifs. Paris 1945

1993. Galerie Espace, Pornichet / La Baule
2009. Galerie Maison des Muses, Rueil-Malmaison

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Bien qu’il n’y soit pas représenté, l’homme est le sujet principal de l’œuvre d’Isabelle Dansin. Son travail se veut être un dialogue et une méditation entre l’homme et la nature.
Elle travaille le monotype sur papier marouflé sur toile. Parallèlement à son travail de peintre elle expérimente depuis peu la gravure.

Ecole Nationale des Arts Appliqués Dupérré, Paris Diplôme textile, 1978
Ecole Nationale Supérieur des Arts Décoratifs, Paris.
Suit l’enseignement de Zao Wou-Ki de 1981 à 1984
Obtient en 1990, un atelier du Ministère de la Culture à Auvers-sur-Oise.

COLLECTIONS
Crédit Local de France
Ministère des Affaires Etrangères

Les premières sculptures de Françoise Mayeras sont réalisées en papier mâché. L’artiste s’interroge sur la pérennité des matériaux, sur la temporalité qu’elle insufflera à ses œuvres voulues pour durer. C’est par hasard qu’elle découvre sur des rivages, des bois rejetés à l’apparence de silhouettes. Ainsi commencent "les échoués" : sans intervenir sur ces bois, des personnalités uniques réapparaissent. En alliance avec le bronze, renaît alors ce qui semblait détruit.

PRINCIPALES EXPOSITIONS
Depuis 1986, Françoise Mayeras expose dans de nombreuses galeries en Allemagne, Belgique, Suisse et a participée à plusieurs foires d’art contemporain Paris, New York et Miami (USA).

Il arrive qu’une image nous revienne sans cesse à l’esprit et s’invite, diversement nuancée, mais toujours la même, dans les combinaisons de nos songes.

Comme une étoile suspendue au firmament, une pagode se devine dans l’horizon brumeux. La grue solitaire qui allonge son col vers ce lointain asile attend l’envol. Car, dans le songe où nous invite Yue Bu, si les poissons volent parfois, les oiseaux tendent vers le ciel comme les arbres et les plantes que leurs racines attachent à la terre. Tantôt florissants, tantôt défeuillés et languissants, ils nous rappellent l’élan incertain de notre âme vers le bonheur auquel elle aspire.

En multipliant les variations sur un même thème, Yue Bu compose ainsi une musique des images, un poème silencieux.

Ici, le dessin se fait symbole, et la recherche patiente du beau est méditation.

Née en 1979, Yue Bu étudie les Beaux-arts en Chine. Son travail s’inspire de l’imaginaire et de l’iconographie de la peinture traditionnelle chinoise. Elle expose d’abord à Pékin et Shanghai, avant de venir en France en 2008. Depuis lors, la galerie Maison des Muses n’a cessé de soutenir le travail très prometteur de cette jeune artiste.